CIERTO COMO IMAGINAR Autor: Antonio Vega Album: Océano de Sol (1994)
Es tan claro el río de cristal, quiero ser su agua. Sentiría el cuerpo resbalar... Un segundo deja al otro atrás. Como presa fuerte del caudal, sigo su camino. El que vive por llevarme al mar por la reverencia del juncal.
Y no lo supe contestar. Lo cierto es que me daba igual qué dirección tomar. Soñé que soñar era tan cierto como imaginar. Soy desde entonces viajero de los que nunca da un paso atrás.
Suena así: metal contra metal. Vibran los sentidos. Vibran todos menos el común, que se encarga de llevarme al mar.
Y no lo supe contestar. Lo cierto es que me daba igual... Soñé que soñar era tan cierto como imaginar. Soy desde entonces viajero de los que nunca da un paso atrás. Por los que doy en el suelo, pisan el aire todos los demás. Soy desde entonces viajero de los que a veces dan un paso atrás. Porque soñé que soñar era tan cierto como imaginar... Soñé que soñar era tan cierto como imaginar...
Continuamos con nuestro homenaje a Antonio Vega, y en esta ocasión le toca a otra de sus grandes canciones: "Tesoros" de su album "No me iré mañana" (1991).
Video: Concierto en la Plaza Mayor de Madrid, fiestas de San Isidro 1993
Tesoros Autor: Antonio Vega Album: No me iré mañana Cuál podria ser mejor cuál de mis tesoros el peor balanza tan igual siempre condenada a bascular.
Nunca pudo decidir siempre tuvo cerca su botin el sueño era fugaz, si, con un ojo abierto y otro en paz.
Suena un despertador y él da la vida sin ser Dios por una antigua vocación, qué haria mi animal si comprendiera que es genial no dejaria de pensar.
Cuál seria el menor cuál de mis tesoros el mayor me inclino por dudar de las adjetivos la verdad.
Suena un despertador y él se divide en dos por una antigua vocación, qué haria mi animal si no supiera interpretar todas mis formas de mirar, que haría mi animal si comprerdiera que es genial no dejaria de dudar, no...
Para hacer un pequeño homenaje a nuestro querido Antonio Vega, creamos esta nueva serie de post en los que os iremos poniendo algunas de sus canciones. Empezaremos por una de sus más conocidas canciones y la que da nombre a esta nueva sección: El sitio de mi recreo.
"El sitio de mi recreo" Autor: Antonio Vega Album: El sitio de mi recreo. 1992
Donde nos llevó la imaginación, donde con los ojos cerrados se divisan infinitos campos. donde se creó la primera luz junto a la semilla de cielo azul volveré a ese lugar donde nací. De sol, espiga y deseo son sus manos en mi pelo, de nieve, huracán y abismos, el sitio de mi recreo. Viento que a su murmullo parece hablar mueve el mundo con gracia, la ves bailar y con él, el escenario de mi hogar. Mar, bandeja de plata, mar infernal es su temperamento natural, poco o nada cuesta ser uno más. De sol, espeiga y deseo... Silencio, brisa y cordura dan aliento a mi locura, hay nieve, hay fuego, hay deseo, ahí donde me recreo.
Han pasado ya 45 años desde que De Niro, con tan sólo 20 años hace su primera colaboración con Brian De Palma en la película "The Wedding Party", que fue estrenada en 1969. En 1965 trabajó como extra en "Trois Chambres À Manhattan" y en 1968 hizo su debut en el cine con "Saludos" dirigida por De Palma. Desde entonces De Niro ha participado en un gran número de películas, no sólo como actor sinó tambien como doblador y fue nominado 6 veces a los Oscars de los que consiguió dos, como Mejor Actor por "Toro Salvaje" y como Mejor Actor de Reparto en "El Padrino II". Fue nominado también 9 veces a los Globos de Oro, consiguiendo el galardon como Mejor Actor también por "Toro Salvaje".
En la carrera de De Niro existen tres etapas claramente diferenciadas: el esplendor de la década de 1970 hasta mediados de los 80, la mezcla de proyectos independientes y corales con potentes proyectos durante los 90 y la llegada del nuevo siglo, en la que dio rienda suelta a su faceta cómica y más alocada en cintas muy comerciales.
En la actualidad De Niro se va declinando más por la dirección que comenzó en 1993 con "Historias del Bronx" (A Bronx Tale) y que no ha podido retomar hasta 2006 con "El Buen Pastor" (The Good Shepherd) su visión sobre el nacimiento de la CIA para la que ya ha anunciado planes de rodar una segunda y una tercera parte.
Fleetwood Mac fue creada en 1967, en Londres por Peter Green (guitarra), Jeremy Spencer (guitarra), John McVie (bajo), Mick Fleetwood (batería), la banda inició su carrera interpretando blues. Peter Green fue antes miembro de la legendaria banda de John Mayall donde también tocó John McVie.
Publicaron los discos Peter Green's Fleetwood Mac, Mr. Wonderfull, English Rose y Pious Birds of Good Omen (álbum recopilatorio) y algunos de sus sencillos, como Black Magic Woman y la instrumental Albatross, estuvieron en los primeros puestos de las listas en Inglaterra.
En 1970 Jeremy Spencer deja la banda, se incorpora Danny Kirwan (guitarra) y publican Then Play On, un álbum experimental que los aleja del blues y los acerca al rock. Será el último trabajo de Green con el grupo y será también un momento de crisis para él y el resto de la banda.
En 1970 se incorporarán Christine McVie (voz y teclados), esposa de John, y el guitarrista estadounidense Bob Welch. Publican con esta formación dos discos: Kiln House y Future Games. Ya alejados completamente del blues, siguen la experimentación y un acercamiento a un sonido más estadounidense, más cercano al country. Estos discos son mucho menos exitosos, quizás por lo lejos que están del gusto del público inglés y lo desconocidos que son para los estadounidenses.
Cuando en 1971 Kirwan deja la banda, por problemas personales, empiezan un período de crisis que durará desde 1972 hasta 1975, en el cual publican discos con diferentes estilos y tendencias: Bare Trees (dark, lleno de melodías y letras oscuras), Mystery To Me (ligero), Penguin y Heroes Are Hard to Find (difíciles de class). Para 1974, solo permanecían en el grupo Mick Fleetwood, Christine y John McVie.
No obstante lo anterior, Fleetwood escucharía un disco homónimo de un dueto llamado Buckinham Nicks (1974), que lo animaría a invitar a la pareja sentimental conformada por Stephanie Stevie Nicks (voz) y Lindsey Buckingham (guitarra) a unirse a la banda. Esta nueva alineación propiciaría uno de los segundos actos del rock más impresionantes y exitosos de toda la historia del rock. Con un estilo soft rock cercano al country, grabarían con Reprise Records el álbum Fleetwood Mac (1975) que los metería de lleno en la cima de las listas de popularidad norteamericanas y británicas, con sencillos como Rhiannon, Say you love me y Over my head, gracias a que Buckingham pulió y mejoró las composiciones de los miembros restantes de la banda. Con esta placa venderían más de cinco millones de copias a nivel internacional.
El éxito obtenido por este álbum los llevaría a firmar con la matriz de Reprise, Warner Bros. Records para la producción de su siguiente álbum, el cual esperaban lanzar en 1976. Sin embargo, por los conflictos internos ocasionados por la separación de Christine y John McVie y la ruptura sentimental entre Buckingham y Nicks, pronto se especuló entre los medios que la banda podría desintegrarse, llegando incluso a decirse que Nicks practicaba la brujería. Sin embargo, en un hecho inusual en la escena del rock, los miembros de la banda se mantuvieron unidos artísticamente, y para acallar las noticias de su supuesta desaparición, nombraron a su disco Rumours (1977), el cual se convirtió a la postre en uno de los álbumes más exitosos en la historia de la música moderna, al vender más de treinta millones de copias, hasta 2003, aparecer en las carteleras de los más escuchados en varias ocasiones y fue disco de oro y plata en varios países, brindando con la canción Dreams el único sencillo N° 1 de la banda en las listas del Billboard. Rumours, junto a The Dark Side of the Moon de Pink Floyd, es uno de los discos más vendidos.
Posteriormente, mantendrían el éxito comercial y artístico con el álbum Tusk (1979), del cual se desprenderían éxitos como Sara, Tusk y Over my head, aunque no repetirían lo logrado con Rumours. La gira promocional de Tusk sería reflejada en la placa doble Fleetwood Mac Live (1980, la cual contendría las canciones inéditas Fireflies y Farmer's Daughters. Pasarían dos años para lanzar el álbum Mirage (1982). En 1982, luego de una gira mundial, Fleetwood Mac pasa por otra crisis, se separan temporalmente y cada integrante produce discos en solitario, siendo Stevie Nicks la más popular.
Desde entonces hasta la actualidad se han vuelto a unir a separar varias veces, han tenido distintas agrupaciones y han seguido cosechando éxitos.
La historia de The Rolling Stones comienza en Londres, en 1961, cuando Mick Jagger y Keith Richards, amigos del colegio, fundan la banda "Little Boy Blue & Blue Boys" junto a Dick Taylor (éste último se separaría para fundar Pretty Things). En sus orígenes se dedican a versionear temas de blues y de Rithm&Blues. Son una desconocida banda que toca en pequeños locales y en la que los músicos entran y salen con facilidad, seguramente porque no encajaban con la pareja Jagger-Richards.
En 1962, deciden cambiar el nombre del grupo y eligen uno basado en una canción de Muddy Waters "Rollin Stones Blues". Aunque la traducción literal del nombre del grupo es piedras rodantes o cantos rodados, la traducción más ajustada al español sería "Los balas perdidas". A este nuevo proyecto se unen Brian Jones y Charlie Watts. Poco después Bill Wyman sustituye a Dick Taylor. Ésta es la primera formación sólida de The Rolling Stones. Con el grupo ya organizado, graban un sencillo "Come on" que es una versión de un tema de Chuck Berry y consiguieron un modesto éxito que les llevó a su primera gira por clubs ingleses y en la que se dedicaban a interpretar versiones de temas conocidos, especialmente de cantantes de blues y soul americanos.
En 1964 sacan a la luz su primer álbum "The Rolling Stones", compuesto casi íntegramente por versiones. Sin embargo, en todas estas versiones y especialmente en sus actuaciones en directo, el grupo empezaba a destacar por la fuerza y la agresividad que volcaban en la interpretación. Mick Jagger empezaba a destacar como cantante y showman, pese a que algún visionario locutor de la BBC dijo en su día que "Estos chicos son buenos pero no tienen futuro mientras no cambien de cantante". Con este primer disco consiguen llegar al número 1 de las listas inglesas y, siguiendo los pasos de otros grupos, inician una gira por Estados Unidos en la que intervienen, como no, en el show de Ed Sullivan.
En esos momentos ya son un grupo conocido internacionalmente y han conseguido labrarse una imagen de chicos malos gracias al trabajo de su primer productor, Andrew Oldman, quien les dejó una casi absoluta libertad para grabar la música. De esta época es el cuento de su enfrentamiento con The Beatles, según el cual éstos eran los chicos buenos y The Rolling Stones los malos. En realidad era una pura patraña comercial y eran todos muy amigos.
También hay que tener en cuenta que para labrarse una dudosa reputación Jagger y Richards no necesitaban mucha ayuda por su afición a la bebida, a las drogas y a la juerga. Las detenciones por tenencia de marihuana, sin embargo, no hacían más que aumentar su popularidad entre los jóvenes.
En enero de 1965 sale su segundo disco "The Rolling Stones 2" en el que siguen absolutamente influenciados por la música negra estadounidense. A partir de ese momento los discos de The Rolling Stones, empiezan a incorporar elementos de otros estilos musicales y aportaciones de los propios músicos. En 1965, sale "Out of our heads" que tiene un buen número de versiones y, posiblemente, el tema más conocido de la banda: "Satisfaction". Le siguen otros discos como "Aftermath", "Between the buttons" y "Their Satanic Majesties Request" en los que dejan entrar influjos de la psicodelia imperante en aquellos años.
Durante todos estos años, la vida de los componentes se ve afectada en mayor o menor medida por las drogas y participan en todo el movimiento psicodélico de los años 60. En 1969 Brian Jones es encontrado muerto en su casa, probablemente asesinado y fue reemplazado por Mick Taylor. Keith Richards estaba completamente enganchado a la heroína; Jagger al LSD.
En 1971 editan "Sticky fingers" en el que aparece el logotipo de la lengua roja diseñado por Andy Warhol y que se convertiría en la "marca de la casa". En los primeros años 70 siguen sacando excelentes discos Como "Exile on main street", "Goats head soup" y "It´s only rock'n'roll". En 1976, Mick Taylor abandona la banda y es sustituido por Ron Wood.
En las décadas de los ochenta y noventa siguen sacando discos y haciendo giras mundiales multitudinarias en las que el público va a ver en vivo a la leyenda. Incluso ya en el siglo XXI siguen trabajando como grupo, convirtiéndose en un grupo de sexagenarios que interpreta canciones potentes y, la verdad, no lo hacen mal.
Esta pregunta me la han hecho a mi unas cuantas veces, y lo primero que me viene a la mente es: ¿pero se puede ser sólo de uno? Para mí son totalmente diferentes y no por ello incompatibles, me encantan los Rolling y adoro a los Beatles… y es algo que por mucho que lo intenten… no podrán cambiar. Por eso he decidido hacer un par de post sobre el tema y esta primera parte está dedicada a The Beatles, así que próximamente tendréis uno para lo Rolling.
The Beatles
John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr. ¿Quién no conoce a The Beatles? Ellos cambiaron el estilo de la música, la forma de pensar de la gente, en su forma de vestirse y peinarse y nos dejaron cientos de estupendas canciones, que el que más o el que menos recordará o habrá escuchado alguna vez. El cuarteto de Liverpoolha sido el grupo más famoso de música Pop de este siglo, y ha llegado a vender más discos que cualquier otro intérprete, conjunto o formación.
Los inicios de la futura banda se encontraba en The Quarrymen, grupo de Skiffle que John Winston Lennon(1940-1980) había montado con compañeros de escuela en 1956. Un año después, conoce a un joven de catorce años llamado James Paul McCartney (1942). La asociación empieza a dar frutos y la pareja compone conjuntamente sus primeras canciones. En 1958 se les unen George Harrison (1943) a la guitarra y Stuart Suttcliffe al bajo. Al año siguiente, toman parte en un concurso de jóvenes talentos de Manchester, con el nombre de Johnny & The Moondogs que desecharían por el de The Silver Beatles, hasta llegar a la definitiva denominación de The Beatles poco después.
Ya como The Beatles, actúan por Liverpool, con un estilo claramente Merseybeat, con influencias de un Rock And Roll que empezaba a estar de moda en el Reino Unido. Pero un punto importante de inflexión en su carrera llega con la gira de cinco meses contratada en Hamburgo, con Pete Best reclutado como batería, que les curte como músicos. Era el año 1960. Cuando llega el momento del regreso a Liverpool, Stuart Suttcliffe decide abandonar la banda y permanecer en Hamburgo, donde fallece inesperadamente en 1962.
Mientras, el grupo va adquiriendo fama en The Cavern, el legendario club de su ciudad, inicialmente dedicado a programar actuaciones de Jazz. En este momento entra en escena un personaje que llegó a ser considerado como el quinto Beatle: su mánager Brian Epstein (1934-1967). Gracias a él son fichados por EMI, tras el rechazo por parte del sello DECCA, incorporando a Ringo Starr (1940) en el grupo, en ese año, en sustitución de Best, antes de editar su primer single Love Me Do. Este primer single ya tuvo una magnífica acogida, y el siguiente, Please Please Me aunque no llegó al número uno, permaneció siete semanas en listas. 1963 vio ya tres números uno de los Fab Four, y dos álbumes editados, ambos alcanzando la misma posición. Del segundo, With The Beatles, se extrajo el que sería el single más vendido de un Beatle -juntos o por separado- hasta el Mull Of Kintyre (de Paul McCartney tiempo después de la disolución del grupo). La canción en cuestión no era otra que She Loves You.
El período de 1963 a 1965 representa el auge de la beatlemanía alrededor del mundo, impactando también fuerte en Norteamérica, país hasta entonces reacio a editar sus discos. Pero de nuevo Epstein inclina la balanza a su favor, convenciendo a Ed Sullivan para que aparecieran en su show televisivo de máxima audiencia, circunstancia que movió a Capitol (el sello americano de EMI) a editar el quinto single del grupo, I Wanna Hold Your Hand. Sin que pasara un mes siquiera, eran número uno en los Estados Unidos, publicando rápidamente sus anteriores sencillos.
En estos años (1963-1966), filman dos películas, A Hard Day's Night y Help!, con sus respectivos álbumes en vinilo y se editan Beatles For Sale y Rubber Soul, y los cuatro de Liverpool se encuentran en plena actividad, con el mundo rendido a su música.
En 1966 se edita Revolver, que significa un punto y aparte en la carrera de los Beatles, puesto que su siguiente trabajo es el primer "concept album" de la historia, el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, editado en 1967, con un claro giro del grupo hacia la Psicodelia y el Flower-Power, en plena eclosión en San Francisco. El disco se convierte en un hito en la historia de la música moderna, con los Beatles innovando en el estudio y George Martin (1926), su productor, canalizando las nuevas experiencias a través de los controles y las cintas del estudio. En ese mismo año, su mánager de siempre, el quinto Beatle, Brian Epstein, fallece de modo inesperado. Ese es también el año en el que la banda se hace seguidora de Maharishi Mahesh Yogi, el año en el que presentan Magical Mystery Tour. Demasiados acontecimientos para doce meses. Tal vez por ello, aunque editarían tres LP's más, la unión entre los cuatro miembros del grupo se resquebraja, un comienzo de ruptura que se hizo más evidente a partir de 1968. En ese año, incluso montaron su propio sello, Apple Records, una especie de corporación dedicada al arte en general, y en especial a la música, que acabó meses después acarreando graves problemas financieros a la banda. El canto del cisne llegó en 1970, con Let It Be, producido por Phil Spector, terminando su carrera juntos con disputas incluso judiciales, con una enemistad McCartney y Lennon cada vez más notoria. Todos sus miembros siguieron carreras en solitario, con especial significación para las de McCartney y Lennon.
Ringo Starr fue el primero de los cuatro en grabar en solitario, a través de Apple Records en 1970 (Sentimental Journey) y su carrera fue in crescendo hasta 1973, año en que lanza Ringo, álbum en el que curiosamente colaboran los otros tres Beatles, eso sí, en diferentes temas. Este disco le proporcionó un par de números uno en la lista americana de singles. Su siguiente proyecto llevaba el título de Goodnight Vienna, publicado en 1974, descendiendo en adelante su carrera musical, llegando a tocar fondo -al menos de ventas- en 1983 con Old Wave. Otra faceta suya durante estos años ha sido la de actor, apareciendo en algunas películas sin especial repercusión. A mitad de los ochenta, felizmente casado con la actriz Barbara Bach, se ha dedicado a tareas de narrador para series documentales, sin abandonar del todo, pero no muy activo en el mundo de la música.
La carrera de George Harrison en solitario, posterior a la disolución de The Beatles, es variada y peculiar, más orientada hacia la calidad y la autenticidad que hacia la comercialidad, asumiendo tareas que van desde la de músico de sesión hasta la de productor cinematográfico, con compañía propia (Handmade Films). Después de formar parte de The Beatles, Harrison continúa trabajando en solitario, al igual que Lennon, McCartney y Starr, siendo la carrera de George Harrison prolífica, aunque en menor grado que las de McCartney y Lennon. Su primer lanzamiento en solitario data de 1968, al editar el proyecto claramente experimental Wonderwall, al que le sigue Electronic Sounds en 1970, en una línea parecida al anterior. Sin embargo, su primer gran éxito le llega con el triple álbum All Things Must Pass -con importantes colaboradores-, producido por Phil Spector en 1970, que le da un masivo triunfo a nivel internacional. Su interés en las culturas orientales le lleva a promover en 1971 el "Concierto Para Bangladesh" en Nueva York, con la participación de gente como Eric Clapton, Bob Dylan, su ex-compañero Ringo Starr, Billy Preston y Leon Russell. Este concierto se plasmó en un triple vinilo y en una película, recaudando diez millones de dólares para la causa. Continúa grabando, y en 1974 crea su propio sello discográfico, Dark Horse, hasta 1976, cuando edita 33 1/3, que marca una pequeña pausa en su carrera discográfica, retomada en 1979, para seguir publicando trabajos, pero no con una frecuencia casi anual, como en su primera época. Durante todos estos años, también produjo grabaciones de artistas como Badfinger, Ravi Shankar o Billy Preston y tocó la guitarra en sesiones de otros tantos, como Dylan, Delanney & Bonnie o Hall & Oates. Ya en la década de los ochenta, dedicó gran parte de sus esfuerzos a su compañía cinematográfica, Hand Made Films, y retornó a las listas en 1987 con Cloud Nine, volviendo poco después como parte de esa banda de viejas glorias llamada Travelling Wilburys -junto a Bob Dylan, Roy Orbison, Tom Petty y Jeff Lynne-, con la que estuvo en dos álbumes que legaron a la historia de la música en la frontera entre los ochenta y los noventa: Travelling Wilburys (1988) y Travelling Wilburys, Vol 3 (1990). El 30 de noviembre de 2001 nos dejó tras perder su lucha contra el cáncer, descanse en paz.
John Lennon inició su carrera en solitario un par de años antes de la fecha de disolución oficial del grupo, 1970. En 1969, toca en directo con una banda llamada Plastic Ono Band, en la cual militó Eric Clapton, por ejemplo, evento recogido en Live Peace In Toronto. De ahí salieron nuevas composiciones de Lennon como Cold Turkey y Give Peace A Chance -todo un himno para los movimientos pacifistas-, éxitos indiscutibles, a los que sigue el álbum de 1970 John Lennon/Plastic Ono Band, producido por Phil Spector, que significa la declaración de independencia de su anterior etapa. Imagine, su álbum de 1971, se convierte rápidamente en un clásico, con temas como Power To The People, comprometidos y polémicos, como el mismo Imagine, un standard interpretado por otros múltiples artistas, o Jealous Guy, una preciosa balada. Ya como vecino de Nueva York, su siguiente álbum no alcanza el mismo gran éxito comercial, pero vuelve a las listas con Mind Games en 1973, y al año siguiente, edita Walls And Bridges, aún con mejor fortuna, y actúa en un concierto de Elton John, en la que sería su última aparición en un escenario. Shaved Fish, de 1975, es una recopilación de grandes éxitos, último disco antes su muerte, puesto que en ese año decide hacer una pausa en actuaciones y conciertos, para volver al estudio poco antes de su asesinato, con su esposa Yoko Ono para grabar Double Fantasy.
Tras su muerte el ocho de diciembre de 1980, a consecuencia de los disparos efectuados por Mark Chapman, alcanza el número uno con los singles Just Like Starting Over y Woman.
El día once de abril de 1970, Paul McCartney anunciaba en los medios de comunicación que jamás volvería a grabar con John Lennon (promesa que el tiempo ha burlado de manera peculiar, venticinco años después y un cúmulo de sucesos por medio). La afirmación de McCartney implicaba la disolución de los Beatles definitivamente. Un mes después, su primer trabajo en solitario, McCartney, llega al número dos en las listas británicas y a número uno en los Estados Unidos, añadiendo tensión a la ya existente en el seno del grupo británico, al coincidir el lanzamiento con el de Let It Be. Aún publicaría otro álbum, Ram, antes de inciar la creación de su nueva banda.
Wings se forman a finales de 1971, alrededor de Paul y Linda McCartney, junto con Denny Laine (1944) y Denny Seiwell. En diciembre, su LP Wildlife, entra hasta el número 10 en las listas inglesas y al año siguiente ya inicia una gira nacional, que precede al single Give Ireland Back To The Irish, un título que explica su contenido por sí solo (Devolved Irlanda A Los Irlandeses) que fue completamente vetado por la BBC y la IBA. El año 1972 fue duro para McCartney, que topó un par de veces con la justicia por posesión de drogas y el año siguiente se inició con un nuevo veto al single de Wings, llamado Hi Hi Hi, por incitación al consumo de drogas. Su sello discográfico optó por promocionar la cara B, para burlar la censura, y llegó al número 5 en listas, iniciando un nuevo tour nacional en mayo. El l. p. que salió justo antes de la gira, Red Rose Speedway, ya estaba firmado por Paul McCartney & Wings, y en diciembre editan el famoso Band On The Run, que llegó al número uno en ambos lados del Atlántico, vendiendo seis millones de copias y permaneciendo en lista más de dos años. En mayo de 1976 aterrizan en los Estados Unidos, realizando McCartney su primera aparición en una década en territorio norteamericano, editando un año después el álbum Wings Over America. En 1977, sale al mercado Mull Of Kintyre, el single más vendido en el Reino Unido, desplazando de este lugar a She Loves You, de los cuatro de Liverpool. El single por si solo vendió más de dos millones y medio de copias, y fue, por supuesto, el más grande éxito de Wings como grupo. Desde Mull Of Kyntire hasta diciembre de 1979, fecha en la que Wings actúa en la última noche de los conciertos por Kampuchea, graban algunos temas más, -todos de éxito pero sin llegar más arriba del puesto cinco en las listas- y Paul recibe el premio como mejor compositor de todos los tiempos, habiendo vendido más de cien millones de singles y otros tantos LP's. La fecha del concierto por Kampuchea pone el punto final a la carrera del grupo como tal, encontrando su último legado en vinilo en el LP del año 1979 Back To The Egg, y retomando Paul su trayectoria en solitario, que ya tenía su precedente justo antes de Wings con el par de álbumes antes reseñados. Wonderful Christmastime, se edita en enero de 1980 y será su primer single en solitario desde 1971. A mediados de ese mismo mes es arrestado y encarcelado en Tokio por posesión de marihuana, McCartney se graba al igual que su primer LP en su propio domicilio, con medios muy limitados, condiciones que no impiden que llegue a lo más alto de las listas, editándose en 1981. El año siguiente ve llegar otro masivo éxito de Paul, esta vez a dúo con Stevie Wonder. Ebony And Ivory llega al número uno del charts de singles en ambos lados del Atlántico, abriendo camino para el álbum Tug Of War, grabado con la ayuda, entre otros, del propio Stevie Wonder, su viejo amigo Ringo Starr, Rod Stewart y Carl Perkins. Pletórico e hiperactivo, antes de que acabe el año, colabora en otro dueto, esta vez con Michael Jackson, grabando The Girl Is Mine. Vuelve a repetir fórmula con Say, Say, Say, en noviembre de 1983, con similares resultados, situándose de nuevo arriba de las listas americanas e inglesas, alcanzando cotas similares con el álbum Pipes Of Peace. Give My Regards To Broad Street, marca una nueva experiencia en la carrera de Paul McCartney. Ese fue el título para una película y un álbum, de excelentes resultados -no así en el caso del celuloide, considerado un fracaso de crítica y de taquilla-. Estamos en los últimos meses de 1984, y la actividad del antiguo Beatle decrece con el final de los ochenta, aunque Press To Play y la recopilación All The Best! venden como antaño, viendo la luz este último a finales de 1987. En 1988 aparece Back In The USSR, en el sello soviético Melodiya, publicado inicialmente de modo exclusivo en la Unión Soviética, hasta que en 1991 se publica en todo el mundo. Ese mismo 1991 lanza Flowers In The Dirt, y antes de acabar el año acomete uno de sus proyectos más ambiciosos, el que lleva por título Liverpool Oratorio, pieza clásica compuesta por Paul y el compositor americano Carl Davis, e interpretada por la Royal Liverpool Philarmonic, con voces como la de la cantante de ópera Kiri Te Kanawa, en el marco de la Catedral de Liverpool. Por desgracia, McCartney recibió pocas alabanzas y un montón de críticas, sobre todo por parte de los entendidos, que le instaban a dedicarse a su música de siempre. De regreso al Pop, el éxito no se hace esperar gracias al single Hope Of Deliverance, perteneciente a su siguiente álbum Off The Ground, editado en 1993. Sus siguientes proyectos muestran a un Paul maduro, ocupado también en aficiones paralelas, como la de locutor y DJ de programas de contenido musical.
A pesar de todo, los cuatro de Liverpool siguieron colaborando entre ellos, con la excepción de Lennon y McCartney. La vieja promesa que hizo Paul se rompió en 1995, puesto que las voces de John Lennon y McCartney aparecen juntas en el tema Free As A Bird, una canción incluida en el primero de una trilogía de álbumes que lleva por nombre Anthology, y que ha logrado reunir a los tres supervivientes y a John, superando ventas de casi nueve millones de ejemplares en sólo una semana, la de su publicación. A pesar de no estar físicamente presente Lennon, los Beatles han vuelto a reunirse gracias a la magia de la tecnología. En marzo de 1996 se edita un segundo volumen, The Beatles Anthology Volume 2, con los mismos planteamientos que el primero, aunque sin llegar a tal impacto comercial como con el primero.
(Bakú 27 de marzo de 1927 - Moscú 27 de abril de 2007)
Hijo y sobrino de violonchelistas, nació en Bakú, capital de la antigua república soviética de Azerbaiyán, y a los ocho años ingresó en el Conservatorio de Moscú, donde estudió piano, chelo, composición y dirección. Allí conoció a los grandes compositores tradicionales rusos y los maestros europeos barrocos, impresionistas y modernos. En 1940 dio su primer concierto, "Concierto número 1 para violonchelo", de Saint Säens. En 1951 y 1953 el Gobierno soviético le otorgó el Premio Stalin y, en 1964, el Premio Lenin. En 1955 se casó con Galina Vishnevskaya, primera soprano del Teatro de la Opera Bolshoi de Moscú, una de sus más destacadas colaboradoras musicales, lo que le permitió desarrollar las facetas de pianista y director de orquesta. La pareja, que tuvo dos hijas, Olga y Helena, ofreció recitales por todo el mundo. De 1953 a 1974, Rostropóvich enseñó en los Conservatorios de Moscú y Leningrado. En el extranjero su carrera tuvo un éxito fulgurante y destaca su récord interpretativo de 1968 en el Carnegie Hall de Nueva York, con un total de 30 obras de 24 compositores.
Rostropóvich estuvo comprometido con la defensa de las libertades humanas y artísticas en el mundo. En 1974, coincidiendo con la entrega del Premio anual de la Liga Internacional de los Derechos Humanos, abandonó la URSS y a partir de entonces dedicó gran parte de su tiempo a ofrecer conciertos benéficos. En 1978 le fue retirada la nacionalidad soviética, que recuperó el 4 de diciembre de 1989, y el 13 de febrero de 1990, tras 16 años de exilio, volvió a tocar en la URSS acompañado por la Orquesta Sinfónica Nacional de Washington dos recitales en Moscú y otros dos en Leningrado, el primero de ellos con la presencia en el palco de la Reina Sofía y la esposa del presidente Mijaíl Gorbachov, Raisa.
Durante su etapa en el extranjero, Rostropóvich residió y trabajó en EEUU y Europa. Empezó dirigiendo, entre otras, las orquestas de Boston, Los Angeles, Chicago y Nueva York, y más adelante orquestas europeas como las de Londres, París y Berlín. En 1977 aceptó la dirección musical de la Orquesta Sinfónica Nacional estadounidense y, una década después, ofreció ocho conciertos con la Orquesta Sinfónica de Londres con motivo de su 60 cumpleaños.
La noche del jueves 9 de noviembre de 1989 cuando cayó el Muro de Berlin, Rostropovich voló con su vilolonchelo desde París hasta Berlín y "en memoria de todos aquellos que perdieron su vida en este lugar" tocó "Sarabande" de la Suite número 1 de Bach para chelo en en Checkpoint Charlie.Fue su homenaje personal al reencuentro de Berlín con la libertad y el comienzo de una nueva era en el mundo. Al final de este video podeis ver un cachito de su actuación.
Tras 17 años, en 1994 abandonó la dirección musical de la Orquesta Sinfónica Nacional de EEUU con una gira de despedida por Moscú, San Petersburgo y las capitales de las tres repúblicas bálticas de Lituania, Letonia y Estonia. Declarado ciudadano del mundo, embajador de buena voluntad de la UNESCO y, desde 2006, representante especial del programa ONUSIDA, el violonchelista viajó por primera vez a España en 1969, visita a la que siguió su recital conmemorativo del X aniversario de la coronación del Rey Juan Carlos I, en 1985.
Miembro de la Unión de Compositores Soviéticos y de la Academia Europea de Yuste, su "currículum" incluye también la Medalla "al defensor de la libertad de Rusia" (1993), la Orden del Gran Príncipe Gediminas de Lituania de Segundo Grado (1995), la Orden del Mérito Cultural del Principado de Mónaco (1999) y la Orden del Mérito de Rusia (2007). También fue galardonado con la Orden del Mérito Alemán, la Medalla de Oro de la Sociedad Filarmónica Británica, la Legión de Honor de Francia, Premio Lenin, el título de Caballero del Imperio Británico y más de 30 doctorados "honoris causa" de Universidades de todo el mundo.
Rostropovich, falleció en Moscú el 27 de Abril del año pasado, a la edad de 80 años, tras una larga enfermedad.
J. S. Bach: Suite Nº1 para chelo: Prelude, Allemande, Courante, Sarabande, Menuets, Gigue.
Janis Lyn Joplin nació el 19 de enero de 1943 en Port Arthur (Texas). Los padres de Janis hubieran querido que fuera maestra. Su padre, Seth, trabajaba en una refinería. Su madre, Doroty, había destacado cantando en su instituto.
Desde sus primeros años en el instituto Janis destacó por ser "diferente", se tiñó el pelo de naranja y se unió a una pandilla de jóvenes radicales por lo que se convirtió en una marginada por sus compañeros de clase y llegando a ser durante epoca de su vida una persona muy impopular. Janis rechazó siempre el racismo y se le acusaba de "amiga de los negros".
A partir de los 16 años Janis comenzó a manifestar su pasión por la música y solía frecuentar los bares de Louisiana para escuchar música negra, y fue a los 17 años cuando comenzó a cantar. Grabó su primer disco cuando estudiaba Bellas Artes en la Universidad de Texas y posteriormente comenzó a cantar de forma habitual en bares. En el 1963, la ciudad de San Francisco conoció el talento de Janis Joplin. En este mismo periodo fue cuando Janis comenzó historia con las drogas y se sumió en un estado de abandono, llegando a pesar 35 kilos. Anunció entonces a su familia que volvería a sus estudios universitarios, y que se casaría con un hombre que había conocido en San Francisco, pero el enlace no tuvo lugar ya que ese hombre la abandonó y esto marcó aún más su inseguridad afectiva y su sentimiento de soledad. Janis volvió a la música y regresó a San Francisco empujada por el éxito. Se unió a la banda Big Brother and the Holding Company, logrando una combinación perfecta y con la que grabaría el emblemático álbum Cheap Thrills. Joplin amaba la libertad creativa de la escena musical en San Francisco. Obtuvo buenas críticas, cada vez más centradas en ella y menos en el grupo. Esto reforzaba su autoestima y su carrera. Pronto pasó a ser conocida en el resto de Estados Unidos.
Actuó con su banda en el Festival de Monterey de 1967, junto con grandes estrellas, como Jimi Hendrix,Jefferson Airplane,Canned Heat,The Who,The Mamas and the Papas, The Byrds,Otis Redding. Ya entonces aspiraba "a ser algo más que la reina de los hippies". Actuó dos veces en el festival, porque la primera vez no había sido filmada. Para la segunda actuación, cambió su ropa hippie por un traje dorado... A partir de entonces fueron contratados por el productor de Bob Dylan, Albert Grossman. Joplin eclipsaba a los Big Brother. Durante la gira por todo el país, comenzó a consumir heroína, para huir del agobio de la fama. Decía: "nada que siente tan bien puede ser malo". "Sólo quiero algo de paz".
En la primavera de 1968, se trasladaron a Nueva York para grabar su primer disco. No congeniaba en el grupo pero aquella combinación de música repetitiva, de estilo psicodélico de los 60, con la imponente voz de Joplin, era prodigiosa. El disco salió en agosto de 1968. Se vendieron más de un millón de copias en el primer mes. Las críticas fueron muy buenas para Joplin.
Albert Grossman le propuso un cambio de grupo. "Cosmic Blues Band" sonaba bien distinto. Su sonido era excesivo, con trompetas, coros, etc. No funcionó. Recibió malas críticas. La revista Rolling Stone la denominó la "Judy Garland del rock".
Comenzó a prodigarse en entrevistas, en las que terminaba hablando de su vida, de sus sentimientos. Decía que "hacía el amor con 25000 personas en el escenario y luego se volvía a casa sola..." Cada vez dependía más del alcohol y de la heroína. Sin embargo se había convertido en un símbolo de fuerza y de rebeldía para muchas mujeres de su época.
Quiso entonces volver a su pueblo, Port Arthur, como estrella del rock públicamente. Sus padres aprovecharon para marcharse. No fue bien recibida. Y este fracaso fue magnificado en los medios de comunicación. Fue un desafío que se volvió contra ella. Poco después, su madre le diría "ojalá no hubieras nacido".
En septiembre de 1970, se trasladó a Los Ángeles a grabar"Pearl" con su nuevo grupo. El 4 de octubre de 1970 había sido un buen día de grabación. Se fue de copas y se emborrachó. A la 1:40, según el forense, murió por sobredosis de heroína. Janis ya había pasado por experiencias similares y había salido con vida, pero esta vez no había nadie para ayudarla. Descubrieron su cuerpo unas 18 horas después.
Algunas circunstancias en torno a su muerte permanecen sin explicar. La droga que la mató era de una pureza extrema (tenía el 40% de pureza, mientras que lo común sólo es del 2%). Las jeringuillas que usó desaparecieron de su habitación horas después de su muerte y se especula que pudo haber alguien más allí. De esta forma, los medios de comunicación rodearon su muerte de misterio, al igual que con las de Jimi Hendrix o Jim Morrison.
A las seis semanas de su muerte, salió el disco "Pearl", que fue un éxito y se mantuvo en el número uno de ventas durante 14 semanas. Como homenaje, se dejó el tema "Mercedes Benz" a capella, sin música (que podeis escuchar en el reproductor), ya que fue la última canción que Janis grabó; asimismo, se incluyó la canción "Buried Alive in the Blues" sólo con música, sin la voz de Janis que habría debido cantarla.
El cuerpo de Janis Joplin fue incinerado en Westwood, California, y se arrojaron sus cenizas al Océano Pacífico. Dejó en testamento 600 dólares a sus amigos para que celebraran su muerte con una fiesta salvaje.
Aquí os dejo para que los disfruteis varios de los éxitos de Janis, no son todos ni mucho menos, pero son seis temas que para mí son geniales:
Little Girl Blue: Un clásico compuesto por Richard Rodgers y escrito por Lorenz Hart, que fue publicado en 1935 para el musical de Broadway "Jumbo" y que posteriormente fue reconvertido por Janis, un auténtico Blues de los que ponen la piel de gallina.
Me and Bobby McGee:(Musica y letra: Kris Kristofferson y Fred Foster). Inicialmente grabada por Roger Miller.Janis hizo un cover en 1970 pocos días antes de su muerte... para mi la mejor versión la de Janis sin duda. Fue el segundo número uno póstumo en la era del rock tras el exito soul de Otis Redding "Sittin' on the Dock of the Bay".
Summertime:Fue compuesta para la opera Porgy and Bess. Esta es una de las canciones más conocidas dentro del género del jazz.
Cry Baby: (Compuesta por Bert Berns y Jerry Ragovoy) Esta versión de Janis del hit de 1963 de "Garnet Mimms & The Enchanters", tiene aún mucho más encanto que la original.
Piece of My Heart: La versión original fue grabada por la hermana mayor de Aretha Franklin (Erma Franklin) en 1967. Fue uno de los grandes éxitos del R&B en los EEUU, y se hizo muy popular gracias a la versión de Janis en 1968.
Mercedes Benz: esta se cree que es la última grabación de Janis antes de su muerte, Janis la escribió junto con el poeta Michael McClure y Bob Neuwirth. Esta producida por el productor de The Doors, Paul A. Rothchild y es una crítica social ante como la gente asocia la felicidad con el dinero y las posesiones materiales.
